Relaciono el término que he elegido con todos los sucesos que han contribuido en la transición de modernidad a posmodernidad como sociedad (el relativismo, la valoración de la diversidad, etc), y también con los hechos que han acontecido a partir de los años 70 que nos hacen avanzar culturalmente y plantearnos deficiencias existentes. Aún hoy día, tenemos ejemplos en obras de arte polémicas, por ejemplo en el ámbito del género y la sexualidad (la temática de la PEC 4), cuyo avance está estrechamente ligado al movimiento feminista y su desarrollo. La obra de Fabian Cháirez, “La Revolución”, es una de las últimas pruebas de que estamos en una sociedad en proceso de cambio, y que hay sectores de la población que aún no aceptan ciertas modificaciones en los paradigmas tradicionales.
Pienso que hemos aprendido mucho acerca de “fenómenos revolucionarios” a lo largo de la asignatura, ya que cada una de las PEC estaba ligada al análisis de una obra que tenía por objetivo un proceso de cambio de pensamiento.
Este tipo de fenómeno se caracteriza por provocar un cambio directo, inminente y radical en el entorno que le rodea. En el ámbito artístico, se relacionan en múltiples ocasiones con los inicios de nuevos movimientos o cambios de paradigma, pongamos como ejemplo el nacimiento de vanguardias de cualquier tipo y sus correspondientes manifiestos. También se relacionan con actos o creaciones nuevas que en un principio causan reacciones muy negativas, como el rechazo, pero que con el tiempo se vuelven necesarias para el desarrollo posterior de nuevas ideas. Un buen ejemplo de esto serían los objetos “ready-made” y su imposición como nuevo paradigma en el arte, que llevó a pensar acerca de los objetos que se consideran arte como tal y los que no lo eran, cuestionando así los juicios de valor de las principales instituciones, que decidían cuáles eran los cánones aceptables para realizar una exposición museística.
Los fenómenos revolucionarios en el arte están normalmente ligados a fenómenos políticos y sociales, ya que normalmente llevan consigo una afirmación o estandarte que desea cambiar un aspecto hasta el momento hegemónico. Pongamos como ejemplo el impulso del feminismo a finales del siglo XX, que lleva a una revisión de la historia del arte en sí y la inclusión de artistas y demás agentes femeninos en el ámbito artístico. Hasta el momento, el papel de la mujer era limitado y apenas se encontraban registros de referentes femeninos en la historia; esto empieza a cambiar y se descubre que la mujer ha tenido papeles muy relevantes, mucho más allá de ser simple musa o ayudante.
En el arte postmoderno -en especial el conceptual- los fenómenos revolucionarios se convierten en algo habitual, ya que la máxima de este tipo de obras es transmitir un mensaje más allá de la obra, es decir, que te haga pensar y desarrollar conclusiones propias. Una gran cantidad de artistas actuales intentan, por encima de todo, causar un impacto en el espectador que incite a reflexionar acerca de los actos que lleva a cabo la sociedad. Un buen ejemplo sería la artista Núria Güell (www.nuriaguell.com) , cuya obra se centra en el cambio político y social de su entorno directo llevando a cabo acciones transgresoras e, incluso, mal vistas por un sector poblacional -pongamos como ejemplo la obra “Ayuda Humanitaria”, en la que se casaba con un Cubano para darle los papeles-.
Para esta primera entrega de la PEC 5 he escogido el término «Fenómeno» (del griego φαινομένον [leer: phainomenon] ), masculino?, singular. Según comentan los diccionarios de etimologías, su significado literal es «lo que se muestra», algo que pasa desde la imaginación a un objeto que puede ser visto.
Definimos la palabra Fenómeno como un hecho o elemento que sucede de una manera evidente a los sentidos, cuyo efecto puede o no ser latente o marcado en el entorno que le rodea. Los fenómenos pueden suceder de manera progresiva, de manera repentina o incluso espontánea; en todo caso, necesitan siempre de un observador que los capte (es por eso que en el misticismo se puede entender, incluso, como un proceso comunicativo entre el entorno y el sujeto que vive en él ).
Existen múltiples tipos de fenómenos, y una de sus clasificaciones (básicamente, la que les da más importancia) es que se dividen en relevantes y no relevantes. El fenómeno puede ser relevante, si modifica sustancialmente el entorno que le rodea, o tiene un efecto marcado y palpable; o bien puede ser irrelevante, es decir, que no posea efecto alguno sobre su entorno que sea de algún interés. Sea como fuere, esta clasificación es relativa, puesto que depende como hemos dicho de un observador consciente, y lo que para un individuo puede ser importante, para otro puede no serlo tanto. Por otro lado, existen más clasificaciones: los fenómenos pueden ser físicos, místicos, psicológicos, naturales… y en la mayoría de los casos suelen ser el resultado de una consecuencia causa-efecto.
En este sentido entra la relación del humano con la palabra fenómeno, ya que, del mismo modo que otros elementos que existen en la civilización, el fenómeno puede ser elevado o repudiado por la cultura o entorno en el que se pone de manifiesto. Así pues, un fenómeno de carácter místico, como por ejemplo, una aparición de la virgen María, sería poco apreciado e incluso repudiado en un laboratorio científico, donde las personas que lo observarían intentarían buscarle un sentido totalmente lógico (como por ejemplo, los científicos podrían pensar que han sido intoxicados con la comida o cualquier otro elemento químico del laboratorio, que les están gastando una broma, etcétera).
Aquí os dejo las fotografías de los experimentos realizados con materiales y soportes experimentales.
Ejercicios de dibujo expandido:
Pintura con acrílicos en CD antiguo. La pintura no se impregnaba bien, no me gustó mucho el resultado.
Diferentes pruebas con el soporte cristal: pegando mica natural a láminas con diferentes adherentes, y probando materiales como los pigmentos y el acrílico. El pigmento ha sido el elemento que mejor se ha adherido, aunque también me ha gustado el efecto de la mica, ya que poniéndole pintura como adherente, su transparencia generaba diferentes colores.
Prueba con tizas sobre pared. Quise darle un toque naíf, como el de un niño pintando las paredes de su casa, a este experimento.
Adición de la rana, experimentando con el carboncillo en la pared, dándole un toque más adulto con la botella de vino, para contrastar con el modo de dibujar, más infantil.
Experimentación de dibujo con rotulador en la ventana.
Experimento de dibujo con tiza en el suelo.
Bodypaint con motivos tribales/psicodélicos en la cara.
Resultado del bodypaint facial en papel, utilizando la cara como herramienta para pintar.
Resultado de pintar con la mano izquierda (1).
Resultado de pintar con la mano izquierda, autorretrato (2).
Hola a todos! Os presento las ideas que tengo para mi proyecto, con explicaciones de cómo se pueden llevar a cabo:
TEMA: MODIFICACIÓN DE LA PROPIA REALIDAD A TRAVÉS DEL DIBUJO.
PROYECTO 1:
Con papel vegetal poner posibles cosas en el terreno de delante y colgar del balcón. Será una manera de modificar el mundo que veo a través de la ventana, como se debería ver para alguien confinado. Supondría una modificación de la propia realidad y un impulso a otras personas a que modifiquen sus propias realidades. Los dibujos pueden ser un edificio, una estructura, algo inventado…
Por ejemplo, podría haber un edificio que me tapara la vista y el sol, esa pérdida de visión del horizonte provocaría que vecinos como yo en el edificio donde vivo se mostraran muy angustiados en caso de quedar confinados, ya que supondría una pérdida de privacidad y de luz natural.
PROYECTO 2:
Coger fotografías y modificarlas con el dibujo, tomando como ejemplo a Rainer. Mezclar animales con cuerpos humanos, o elementos mecánicos con cuerpos, cosas así, para demostrar que a través del dibujo puedes modificar tu propia realidad.
PROYECTO3 (de momento el que tengo pensado hacer):
Pintar en cristal con pigmentos algunos sentimientos humanos oscuros, mostrando la fragilidad de las personas y poniéndola en relación con el soporte y los sentimientos. Se eligen los pigmentos como material, porque son lo más primario en términos de materiales artísticos, relacionándolo con el lado primitivo de las personas que se da lugar cuando salen a relucir algunos sentimientos más profundos.
En esta ocasión he decidido (aunque tarde) arriesgarme y utilizar un objeto controvertido: una copa menstrual. He escogido dicho objeto por su intrínseca relación con la feminidad y por el significado tabú que en ocasiones tiene el periodo femenino: es algo que todo el mundo conoce pero que, por alguna razón, cuando sale a colación en una conversación por cualquier cosa, durante mucho tiempo ha sido objeto de incomodidad. Aunque ahora los tiempos están cambiando, me ha parecido idóneo escoger un objeto que puede dar lugar a una reacción intensa por parte del observador.
Técnica y soporte: Modelado y tallado de arcilla gris sobre tablilla de madera.
Dimensiones: 11x14x9 cm.
2/ Breve descripción
Mi obra es el resultado de mi pensamiento general, con el que trato de expresar el peso de la mente sobre tus propias actuaciones, así como reflejar la necesidad que uno tiene de olvidarse de sí mismo para vivir el presente. De igual forma que las grietas presentes en la figura, lo que hemos vivido forma parte inherente de lo que somos, aunque no debe tener el peso suficiente como para destruir la obra, que viene a ser la representación del “yo”.
3/ Propuesta de exposición
Mi obra está pensada para ser mostrada en una galería o bien, un centro social (tipo centro cívico) con un espacio adecuado para ello. La idea es que se muestre conjuntamente con otras obras, pinturas y otras esculturas, en una hilera que vaya alternando cuadro – figura – cuadro (y así sucesivamente). Podría mostrarse en un museo, aunque preferiblemente en un centro con acceso gratuito. También la mostraría en Internet (de hecho, ya lo he colgado en mi Instagram).
Para mostrar la obra en la galería mencionada, únicamente se requeriría de una peana o columna (de madera negra, preferiblemente), una luz homogénea que iluminara toda la sala por igual, y, debajo de la escultura, una luz tenue que viniera desde la parte inferior, para que se proyectaran sombras en la parte interior de la cabeza. La columna se encontraría pegada a la pared, en la secuencia antes citada.
El público a quien va dirigida mi obra es, en mayor parte, a personas de más de 23 años, aunque puede ser mostrada a todo el mundo. No obstante, pienso que la idea es más susceptible de ser entendida a partir de esa edad, ya que es cuando empiezas a enfrentarte seriamente con tus propios pensamientos, a observar con distancia las consecuencias de
tus actos, y cómo lo que sucede alrededor tuyo tiene sus propias consecuencias contigo
mismo. En mi opinión, es a partir de esa edad cuando uno empieza a observar todo lo que lleva acarreando consigo a través de los años, cómo esos pensamientos se transforman en
tus demonios internos, y comienzas a desear ponerle una solución. Pero te das cuenta de que no es tan sencillo como parece. En mi caso, fue en esa misma edad a partir de la cual empecé a pasar por esta etapa (la que, a día de hoy, aún perdura).
La exposición tendría una duración de un mes, ya que creo que es el tiempo suficiente para que quien desee verla, acuda. No se trata de un período demasiado corto, ni demasiado largo; para mí, es el tiempo ideal.
Mi proyecto se encuentra aún en fase de creación, aunque ya me queda poco para finalizar.
Desearía mostrar mi proyecto como una forma de mirar a mi interior, así como una expresión de la resiliencia en el objeto, y de mí misma. Como se puede observar en los bocetos, y en el estado en que se encuentra la obra, la temática es escapar de la propia mente, sin olvidar que ésta forma parte intrínseca de nuestro propio ser.
Según los japoneses, cuya cultura me inspira profundamente, la resiliencia es superar un obstáculo sin tener la necesidad de ocultar los daños o marcas producidas por éste. Por ejemplo, cuando se rompe un jarrón, ellos lo pegarían mostrando las grietas que indican por dónde estaba roto, de manera que aunque el jarrón vuelve a estar completo, se muestran claramente las marcas de la rotura anterior.
A medida que he ido avanzando en el proyecto, se han producido unas grietas en la escultura, que, tras varias consideraciones, he decidido no ocultar, y rellenar de alguna forma que se acentúe la marca por donde se ha agrietado. Por supuesto, esto no era intencional, no obstante, he decidido continuar con el proyecto de una manera orgánica, y espero que refleje la intención inicial.
Sinceramente, siempre pregunto en mi entorno acerca de las impresiones que le produce el proyecto que esté haciendo, sea en curso, o terminado. Una vez escuchadas, no obstante, tiendo a hacer lo que me dicen mis adentros, dándole importancia a los comentarios según mi criterio. Anteriormente, me solían afectar más estas críticas, no obstante, ahora ya no me afectan tan negativamente (si el comentario era malo), e intento entender el punto de vista y mejorar mis proyectos con ello. No me preocupa mostrar al completo el proyecto que estoy llevando a cabo, de hecho, creo que también mostrar el proceso es parte del aprendizaje.
Como científico, Villa obviamente toma el método y camino homónimos. La metodología es el estudio de la hipótesis, con el fin de obtener resultados y cumplir objetivos. Estos deben estar muy bien establecidos, ya que de ellos dependen las hipótesis iniciales y el éxito de toda la investigación, en la que el azar se intenta limitar a la máxima expresión, con tal de poder controlar mejor los resultados.
Jordi nos indica en el vídeo que, pese a que el método científico puede pensarse como algo muy rígido, para él, no debería serlo tanto: a través del ensayo y error puedes descubrir nuevas hipótesis o nuevas vías para encontrar nuevos resultados. No obstante, no hay que olvidar que la metodología científica es algo que está preestablecido y, pese a que podemos cambiar algunos métodos, los caminos suelen ser algo marcados. En este sentido, huye del concepto de estandarización, indicando que deben evitarse los cánones, ya que de esa manera, se llevan a cabo ideas innovadoras.
El ensayo y el error son parte imprescindible del proceso científico, ya que con ellos la hipótesis puede ser probada o falseada. Jordi considera que el error sucede cuando la hipótesis que realizas inicialmente no puede ser probada; por consiguiente, se sucede el fracaso en la investigación. Tal y como él señala, esto se suele dar cuando no se ha establecido un objetivo claro y bien pensado inicialmente, ya que si el objetivo está bien estudiado desde el principio, normalmente, en el transcurso de la experimentación y ensayo, los resultados que no se esperan pueden dar lugar a nuevos descubrimientos y vías del mismo modo interesantes.
Entiendo, por las palabras de este creador digital, que la metodología que aplica está basada en el ensayo y error. Arduino, el proyecto que presenta junto con sus compañeros, pretende ser una plataforma en la que, tal y como comenta, “el proceso y el camino son más importantes que el resultado final”, por lo que la metodología que aplican sería, según creo, la observación y la experimentación directa con el código y sus posibilidades.
En este caso, el camino que siguen en Arduino, según palabras de Posada, es lo más importante, y no el resultado en sí. Por ese motivo, no siguen un sentido lineal. Ya que es un software de código abierto, Arduino se construye a base de aportaciones de los usuarios, por lo que, teniendo en cuenta la variedad de pensamientos que existen y la cantidad de usuarios que utilizan el software, es totalmente normal que se encuentren allí multitud de nuevas opciones y bifurcaciones en el proceso, lo que indica una gran proyección a múltiples niveles.
El ensayo es una parte muy importante del proceso, según Posada, aunque no existen en su proyecto éxitos ni fracasos. Al no tener un objetivo claro, y básicamente ser un espacio donde se comparten ideas, el “error” no se considera como tal, sino que se habla, más bien, de un “cambio de dirección”. El código, aunque no lo parezca, es un lenguaje que posee su lado artístico y flexible, y en el caso de Arduino, sus desarrolladores llevan este pensamiento a su máxima expresión.
Su metodología es la que más he encontrado similar a la mía, ya que según ella, primero crea y luego reflexiona en lo creado y el proceso seguido. Su metodología es orgánica, y deja que las cosas vayan fluyendo a medida que avanza en el proceso, lo que hace que, de algún modo, se cree por sí mismo, dejándose influir por múltiples actores. El proceso creativo está ligado a la investigación, en el sentido de que debes documentarte para poder realizar aquello que tienes en mente.
Por supuesto, partiendo de la base de que el método es orgánico, este admitirá múltiples bifurcaciones y opciones diversas en el transcurso de la creación de la artista. Tal y como ella nos indica, no hay un método establecido en su creación, y admite múltiples modificaciones en el modus operandi. Pese a ello, tiene dos pasos que normalmente siempre sigue en su investigación artística: la etapa vital y la de tecnología y edición. En la primera, como hemos comentado, se basa en las relaciones entre personas para realizar la obra, primero haciendo y luego entendiendo lo que ha hecho, dejándose llevar por lo que le aportan las relaciones que crea con las personas que trata. En la segunda, lo pone todo en conjunto combinándolo con el tema en que trabaja, usando la tecnología que tiene pensada y el medio que desee.
Para ella, el error es aquello que sucede cuando, realizando unas acciones, esperabas otro resultado. En cualquier caso, es símbolo de desarrollo y crecimiento, y una aportación a los conocimientos que ya se tienen, para encontrar nuevos caminos dentro de la obra.
Hola a todos! Con un poco de retraso, me presento. Me llamo Nadia, aunque mi nombre artístico es Varela. Estoy estudiando Artes ya que en la actualidad dibujo y realizo proyectos, y el grado enseña nuevos métodos de actuación y técnicas que creo que me resultarán muy útiles en un futuro. Desde pequeña dibujo y creo con diferentes medios, y me encanta expresarme a través de mi arte, de manera integrada con mi vida diaria. En este autorretrato, pintado con tinta china en estilo libre y sin boceto, me presento de una manera bastante natural, y, creo, vehemente con mi manera de ser y pintar. Soy una persona bastante impetuosa y espontánea, en ocasiones errática, pero a quien le gusta intentar y probar todo de cero, una y otra vez. Debido a la «peligrosidad» de dibujar con tinta, escojo este medio ya que me parece que captura la inmediatez y el fallo, que puedes escoger o descartar para crear otra cosa nueva.
Espero que esta breve presentación os haya mostrado algo de mí, y nos vemos en las próximas entregas! 😉
Este es un espacio de trabajo personal de un/a estudiante de la Universitat Oberta de Catalunya. Cualquier contenido publicado en este espacio es responsabilidad de su autor/a.